工写并重 以意为先

原标题：工写并重 以意为先

《秋籁无声》 163cm×183cm 纸本设色

《秋来犹有残花艳》 90cm×90cm 纸本设色

《西塘双禽》 90cm×90cm 纸本设色

当代花鸟画家贾广健——

日前，著名花鸟画家、天津画院院长贾广健在广州南岸至尚美术馆举行了画展“生如夏花”，作为当代工笔花鸟画的执牛耳者，贾广健的花鸟画以严谨的章法、恢宏的气势、深邃的意境，呈现出一派清新富丽、自然和谐的气象，其“大景花鸟”的创作理念风格明显，奠定了他在当代花鸟画坛的重要地位。但在接受记者采访谈及当今花鸟画创作的现状时，贾广健说，对于自然外在的描绘不过是形骸，花鸟画的内核应当承载艺术家的精神理想，花鸟画要达到高境界，殊为难事，亦是艺术家需要不断突破的地方。

一本齐白石作品画册 打开了艺术殿堂之门

工笔花鸟画、没骨花卉、水墨写意，三种不同的绘画风格构成了贾广健绘画艺术的整体面貌。当今画坛，像他这样工写兼擅的画家可谓凤毛麟角。看到以工笔花鸟画名世的贾广健转向简约的写意小品，记者问到，由繁到简是否为画家的必经之路？贾广健回答：“我并不是最近才画写意花鸟的，其实我入手学习中国画就是从写意花鸟画开始的，后来又画了工笔画、没骨画和一些半工半写、小写意的作品。”

在谈及如何走上绘画之路时，贾广健说，十几岁时偶然得见一本发黄且印刷粗劣的画册，上面有以墨色画成的苍鹰、栖禽、虾蟹、草虫。这应当是他第一次见齐白石的画作，因为在十几年后到故宫看白石艺术大展时，记忆中画册里鲜活的生命又出现在眼前，这本旧画册成为他的艺术之梦，引导着他逐步走入艺术殿堂。后来，贾广健考入河北工艺美术学校，学校的老师中不乏孙其峰、李苦禅的学生，所以他临摹最多的便是李苦禅和孙其峰的写意花鸟。此外，近现代画家吴昌硕、齐白石、石鲁等都是贾广健非常喜爱并崇敬的画家，从临摹他们的作品进一步了解中国画，进而上溯到石涛、八大山人、虚谷、徐渭诸家，贾广健尤爱八大山人和徐渭，爱他们大写意的豪迈的精神气度，“从微观的角度来说，我的工笔花鸟画所表现的语言基本是写实的、接近自然的，但当这些花卉、禽鸟组成一个整体画面关系的时候，其结构、色彩、形成的直观感觉、传达出的意境，更多的还是融入了主观想象，包括一些梦幻的东西，比如我的工笔作品中一些雪景构图，这里面就具有非常主观的、意想的成分，是‘以意为先’的，注重主观的审美感受，并以审美的原则去把握具体的‘形’和通篇的形式结构。”

而回首创作历程，贾广健越来越觉得在画工笔画以前进行写意花鸟画的学习很重要。“写意花鸟到了近现代还是延续了传统文人画的脉络。对我来说，学习工笔花鸟画要研究两宋的院体画风格，并且要从传统文人画里吸收营养，这也可以作为以后的发展方向。因为文人画体现了中国画最高的创作原则和创作准则。”

此外，贾广健还谈到自己从写意转到工笔花鸟画创作的过程，在审美上趋向中和、含蓄，这种认识上的转变源自石鲁对他的影响，“石鲁作品强烈的个性与鲜活的生命气息给予我诸多启迪，从而不断审视自己，寻找属于我自己的个性条件和与自我心灵相契合的立脚点。追求个性表现与在语言形式上的探索，是转向工笔花鸟画创作之前在艺术观念上的倾向，由水墨至上转变为工、写并重。”

大景花鸟画：

合则完整一体 分则独立成章

贾广健的“大景花鸟画”创作理念，对当代花鸟画产生了深远的影响。

何为“大景花鸟”？贾广健阐释道：“传统花鸟画多采取‘折枝’的形式，或表现自然一隅的小景构图，比如宋人的院体画，通过对自然一隅的精微描写，展示花鸟的蓬勃生意，寄寓人文情怀。我在此基础上拓展的‘大景花鸟画’，并不意味着它们在尺幅上追求鸿篇巨制，更重要的是表现主题时，从画面结构形式到空间意识上追求阔大、浩然、奇丽的画风，深邃的意境和静默的诗情，追求一种诗意美。同样，我也非常重视细节表现，我常给学生讲，只要是在你画面中出现的，都要敢让别人放大了去看，比如你画一个一平尺大的团扇，只画一个牡丹花头，但是我要求这个花头，即使放大到电影银幕那么大，花瓣之间一瓣一瓣的组织关系，甚至几个花蕊之间的呼应关系，也要交代得清楚明白，让人一看就知道你是用了心思的，是非常讲究的。”“局部亦能成章”，业内人士就表示，出版社常常从贾广健的画中单单选出局部剪裁成挂历或画片。这说明贾广健的“大景花鸟画”是由多个可以相对独立的局部构成的，合则完整一体，分则独立成章。

评论家认为，贾广健的“大景花鸟画”汲取了立轴山水画和横幅手卷的结构特点，对此贾广健表示赞同，“我将传统中国山水画中常用的‘散点透’运用到我的花鸟画创作中，每一幅大型作品都有多个‘点’，而这些‘点’不仅统一在全局之中，而且又有相对的完整性。让观者在游动的视线中品味每一个‘点’的精妙。表面上看好似客观自然的本真再现，而实际上却是在造型关系、空间层次上反复推敲、精心营造。观者欣赏作品时，可以远观其势，近看其‘点’，犹如欣赏一幅大的立轴山水画或一幅长长的手卷。”

在采访中，贾广健不断强调，工笔花鸟除了在造型上进行细节表现外，更为重要的是，把不同物象、不同构成要素以及一些细小的关系的疏密、角度、穿插、前后层次、纵横开阖关系都反复推敲。因此，其大景花鸟画特别注意形式构成、布局谋篇，融入当代审美趋向，具有时代感。他的作品《秋籁无声》就由无数倾斜歪倒、纵横交错的荷梗组成，荷梗的“线”与莲蓬形成的“点”组成基本的节奏关系和形式结构，画面省略了繁乱的荷叶，达到极致单纯的效果。六只野鸭成V字形，并由右向左排开，聚散有致，顾盼相随，极富情趣。鸟的姿态尽求统一，小有变化，使人感到似静欲动，与全图阔大深远的意境相统一，达到形式结构上的完整和谐。

贾广健

贾广健，河北永清县人，1964年1月生。现任天津画院院长、天津美术家协会副主席，中国国家画院艺术委员会委员、青年画院副院长、国画院专职研究员、教授等。代表作品：《秋籁无声》获全国美展银奖。《 藕花秋雨》获首届全国中国画大展银奖，《寒河晴晚》获全国第八届美展优秀奖。

工笔和写意

没有高低之分

广州日报：您的工笔花鸟画近年在创作题材上以荷花居多，那如何从众多中国画家的“荷花”中突围出来？

贾广健：荷花一直是我作品的主题。画家选择或比较多地关注一个题材，一定是有自己的一些独特原因。很多人喜欢夏天盛开的荷花，但我觉得荷花四季皆美，美得丰富而有层次：春天荷花的叶片嫩绿；秋天残荷枯黄，叶片色彩绚烂，逆光下美得让人目眩神迷；冬天北方的荷塘雪景美得澄澈。《紫雪》、《冷香红衣落》、《晴雪》、《溪塘过雪》等一系列犹如梦幻的雪景作品，可以看出我向往那种纯洁、静谧、瑞意、祥和的理想之境。

广州日报：现在很多的工笔画家，都不擅写意，重要展览也是工笔作品多，写意作品少。在工和写上都有较高的造诣的您是如何看待这个问题的?

贾广健：这是一个非常现实的状态。当代工笔画创作群体大，以年轻的画家居多，在重要展览中工笔画占了很大比重。这反映了一种艺术在某个时代、某个阶段，体现出来的共性，也未必不是一件好事。我认为，工和写只是两种不同的表现语言，各有规律性和技术性，没有高低之别，三笔两笔不少，千笔万笔不多。一幅作品的艺术水准，不能用简与繁、工或写来判断。

我在画工笔画之前，对笔墨的训练，写意语言的掌握有一定基础，这也是一种对内心的认知。文人画的这种创作思想，从它的发展来看，确实是中国画最高的境界。对我来说，工笔和写意的转换只是一种表达方式的转变，它是经过我将近十年的努力所达到的一个阶段，包括后面的一些没骨画，工笔和没骨是穿插发展的、互动的，不是互相割裂的。可能再过五年，或是再过十年我感觉还会有变化，随着年龄的增长、认识的提高肯定会有变化，但我想我最终还是会回到写意画。对形似的认识，对笔墨的认识，最后都会消化，回到单纯的写意画来。

需具备一定的修养

才能理解作品的境界

广州日报：您觉得当代花鸟画的创作存在什么问题？

贾广健：作为花鸟画来说，特别是当代的花鸟画，画家有它难以突破的东西，这属于审美层次的，我也很难表述。中国花鸟画，既不能完全客观地表现自然，又不能完全离开现实。花鸟画通过微观的视角体验自然，但在表现的过程中，绝非仅仅是把客观事情表现出来了而且表现得很精彩，就是一幅好的花鸟画，让花鸟画达到高境界，确实很难。

广州日报：对于观众来说，如何欣赏花鸟画并领会其中的内涵和精神？

贾广健：中国画的“花中四君子”、“岁寒三友”，表现的不仅仅是客观的花卉，更多凝聚的是人文上的内涵和人格上的意蕴，这才是让人回味的东西。欣赏中国画，特别是优秀的花鸟画作品，要具备很高的品味，具备读懂花鸟画的人文素养。传统花鸟画，离我们比较近的大师作品，比如吴昌硕、齐白石、潘天寿的作品，我们也能了解到，他们不是表现客观，而是继承文人画发展而来的，现代人需具备一定的修养和鉴赏力，才能真正理解这些作品的境界。但当代的花鸟画，特别是一些接近自然和客观表现、制作精妙的工笔画，很容易被当代人所欣赏；而对于深层次的表现，无论从创作者来说还是欣赏者来说，都淡化了、退化了。

广州日报：您怎么看待艺术和市场的关系？

贾广健：艺术离不开市场，但人们对艺术欣赏的要求不一样，真正的艺术家，自有他的欣赏群体，不可能迁就、迎合市场，而是引领市场。