发现不一样的广州
原标题：发现不一样的广州
自2012年以来，广州53美术馆连续四届先后邀请了五十多位活跃于日本当代艺术界的艺术家到53美术馆驻馆创作和展览，同时与广州高校师生、艺术家、艺评家、观众进行交流互动，将日本前沿的当代艺术以多维度、跨媒材的形式呈现给观众。
2016年5月7日，第四届“中日当代艺术展”开幕，围绕着主题“走在海面上”，13位日本当代艺术家应邀来到广州，参与驻馆创作，通过对广州本土的在地考察、生态介入，从不同的视度呈现出新的作品。与此同时，53美术馆也在这一持续性项目实践中开始了新的思考。
日本艺术家在广州驻地创作灵感不断
此次展览的日方策展人山重徹夫有近十年的策展经验，曾策展日本“中之条双年展”、“2014年富士山双年展”等当代艺术展。对于本届展览的主题“走在海面上”，他是这样解释的：“日本和中国之间隔着辽阔的海洋，由于地形的隔绝，加上历史的重叠，产生了如语言、习俗等多样的文化和价值观的差异。现在，世界正在迅速缩小，并已开始相互融汇。海洋像是延伸的陆地那样可轻松跨越。”
他此次的作品与展览同名，是他在深圳海边拍摄的一段海平面的录像。在展厅里，当人们从投影机前走过时，身影就被投射在“海平面”上，观众纷纷在这虚拟的海面上行走并留影，这种互动最终赋予了作品更多的意义。
藤原京子是第二次来到广州参加这一项目了，去年她带来的一件用玻璃与铝合金制作的透明阶梯，在展厅的拐角处投下若有若无的神秘阴影，让很多观众印象深刻。今年她的作品也是由金属与玻璃构成，金属构架的象征性的神山或蜃楼，被玻璃与灯光投射出脆弱而美丽的虚影，在延续艺术家一贯关注的主题与特质中又增加了偶发性的特殊意义。她的作品基本是围绕“生与死的边界”这个主题创作的，她介绍说：“在我看来，彼岸的世界是神圣而静谧的，不可实证但确实存在。触动我灵感的契机是去年在广州的驻地创作完成后，在从广州起飞回日本的飞机上，透过大雾看到了飘渺而美丽的景色。在得知今年的展览主题后，我立刻想到了那时的感受，于是就决定试着去通过铁和玻璃的组合形式，利用光和影的效果，来表现彼岸那犹如海市蜃楼般的世界。”
另一位再次来到广州进行驻地创作的艺术家藤井龙德的装置中有许多纸折的蝉。这种创意也是来源于他去年在广州驻地时的灵感。他说：“去年我在广州的路边发现了蝉，不是生物，而是用石头做成的。我感到好奇，经过研究，我发现古代中国人就会将玉石雕琢成蝉的形状，对中国人而言，蝉代表着神秘的力量——清净高洁、复活与重生。而在古希腊，蝉有着不同的意义，人们用它来代表美丽、幸福与和平。对于我个人来说，蝉有一种独特的悲伤感，让我想起生活和世界中不断变化的事物。因此，我决心在广州举办一场蝉的聚会。”
“部分参展艺术家已经持续参与了几届这个驻地项目，那么他们就会更容易融入整个在地的生态跟文化，去吸收一些东西，结合展览的主题呈现出来。这也是长期项目的一个优点。”53美术馆馆长李琼波告诉我。
今年的“中日当代艺术展”比往年更有趣味性
与往年相比，今年的“中日当代艺术展”显示出了更多的趣味性。
在开幕式上，观众不仅可以看到十几位日本当代艺术家历经两周时间创作的作品，还能欣赏到乌克兰舞蹈家Kato现场为观众带来的即兴舞蹈表演，在附近社区生活的孩子们明显已经适应了这座美术馆时常发生的即兴表演，热情地参与到互动中去。
村上隆最新版画作品“罗汉系列”的中国首发也同期举行，这是53美术馆继2014年“幼稚力宣言：村上隆版画展”之后又一次为广州观众带来了村上隆版画作品。系列版画作品的创作灵感源自艺术家本人于2012年创作的巨幅画作《500罗汉》，延续了村上隆作品结合西方艺术与日本艺术，兼具娱乐性与观赏性的一贯特点。
与此同时进行却又内容并不相关的，是53美术馆的艺术市集。女性观众们在日本池坊花道艺术家藤井萬里子的插花工作坊这里排成长队，现场学习制作属于自己的日式插花作品。另一边，是“潮州手拉朱泥壶”谢华工作坊的现场展示、雕塑家向京和瞿广慈的限量雕塑展、艺术图书展销、小尺寸版画、藏书票……
“这些活动的同期举行，并不是说我们想稀释‘中日当代艺术展’驻地计划的学术性与当代性，恰恰相反，我们对项目本身的艺术家选择与作品呈现更有经验也更加严肃，但是随着四年来持续的展览交流，我们也在尝试一些新的构成——例如，在艺术家驻留期间持续进行项目发酵，并在展览开幕时同期进行艺术市集，吸引更多对艺术感兴趣的大众参与。”李琼波说。
访谈
通过艺术家外来的眼光重新审视我们熟视无睹的东西
信息时报：“中日当代艺术展”这一项目今年已经进入了第四年，作为一个由民间美术馆主办的具有一定持续性的驻地项目的发起者，你觉得今年与往年相比有什么不同？
李琼波：我觉得通过这几年的实践，整个项目越来越成熟，策展人、艺术家以及整个工作团队的沟通与磨合越来越顺畅，大家对创作的理解比较容易达成一致。策展团队在服务了几年之后，也很清楚艺术家的需求，可以很好地配合艺术家。同样，艺术家从理解展览题目到来到广州之后进入创作状态，都越来越快速和顺利。在展览的最终呈现上，也越来越成熟，达到一种有效的整体性，这是我觉得这一届和前几届有区别的地方。
信息时报：这些年来驻留创作成为国际上很流行的一种当代艺术创作方式，但也受到了一些批评。有些短期驻留的项目，并不足以支撑艺术家产生出详细思考与打磨的作品，而是或流于浮光掠影的即兴印象，或机械延续其原本创作体系，并不能很好体现出“在地性”。53美术馆的这一项目要怎样在实际运作中避免这一误区？
李琼波：我想这可以用展览最终的呈现来回答，大家看完展览，就会有比较直观的感受。就我个人来讲，这些年考察过一些国际展，感受到邀请艺术家驻地创作是一种很有效的方式，以我们这个项目为例，日本这些当代艺术家来到广州做出的东西，既区别于他们原有的创作，也区别于纯广州的风情展示，在我们司空见惯的角落里，他们找到触动他们的点，让我们耳目一新。当然，这取决于艺术家的创作能力和控制能力。
为了避免驻留项目流于表面形式，我的经验是，从项目策划初期就要充分与策展人、艺术家沟通，选择特别具有驻地创作能力的艺术家。我们每次都会特别选择一部分具有比较丰富的国际驻留经验的艺术家参与项目，另外再选择一些更加年轻的艺术家也加入进来。
驻留时间是有限的，我们策划团队就需要做充分的前期工作，这样艺术家就能够在来到本地之后用两三天的时间尽快对这座城市整个地理生态人文环境有一个了解，然后马上进入创作。当然，我们的团队只是辅助艺术家，为他们提供便利，绝不能主动引导或者说具有倾向性地提供意见，相反，我们是通过这些艺术家外来的、很新鲜的眼光，再重新审视我们熟视无睹的、平时忽略掉的东西。
（下接B13版）